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Satyricon
Fellini-Satyricon
     
    Director (es) : Federico Fellini
    Año : 1969
    País (es) : ITA
    Género : Fantástica
    Compañía productora : P. E. A. Film
    Productor (es) : Alberto Grimaldi
    Compañía distribuidora : CB Films
    Guionista (s) : Federico Fellini, Bernardino Zapponi, Brunello Rondi
    Guión basado en : la novela de Caius Petronius Arbiter
    Fotografía : Giuseppe Rotunno, en Technicolor
    Director (es) artistico (s) : Giorgio Giovanni, Federico Fellini
    Coreografía : Danilo Donati
    Decorados : Danilo Donati, Luigi Scancciance
    Vestuario : Danilo Donati
    Maquillaje : Rino Carboni, Pierino Tosi
    Música : Nino Rota
    Montaje : Ruggero Mastroianni
    Efectos especiales : Adriano Pichiutta
    Ayudante (s) de dirección : Liliana Betti, Lia Consalvo, Maurizio Mein
    Duración : 138 mn
   
     
    Martin Potter
Hiram Keller
Max Born
Salvo Randone
Mario Romagnoli
Alain Cuny
Danica La Loggia
Giuseppe Sanvitale
Magali Noël
Gordon Mitchell
Elisa Mainardi
Donayle Luna
Luigi Montefiori
Marcello Di Folco
   
   
    Giton es el motivo del enfrentamiento que se produce entre Asclito y Encolpio, el padre del primero. Encolpio no duda en responsabilizar a su otrora fiel amigo Asclito de haberle arrebatado a su primogénito para posteriormente venderlo a un tercero, al parecer un actor teatral. En el curso de una representación escénica a la que asiste advertido Encolpio, éste cree reconocer a un chico vestido de Cupido a su hijo Giton. Bajo la pena de ser cancelado el montaje teatral, siguiendo órdenes de un magistrado, a Encolpio le es devuelta la custodia de Giton. Pero al encontrarse nuevamente con Asclito por las estrechas calles de Felicios, Giton, puesto a elegir, prefiere desvincularse de la protección de la figura paterna para desesperación e indignación de Encolpio.
   
   
   

UN DIÁLOGO CON JOSÉ MARÍA LATORRE,
A PROPÓSITO DE FELLINI
 
Por Tomás Fernández Valentí
[Nota previa: El presente texto es una combinación de un texto mío, y revisado, que se publicó originalmente en Dirigido por…, núm. 390 (junio 2009), dentro del artículo titulado Los viajes fantásticos de Fellini, y del texto de José María Latorre La aventura de la romanidad, dedicado asimismo a Fellini Satiricón y publicado en su libro La vuelta al mundo en 80 aventuras (Libros Dirigido Por, Serie Mayor, núm. 7. 1995), concebido así a modo de “diálogo” con Latorre, cuyo texto se destaca en cursiva.] El viaje fantástico que propone Fellini Satiricón (1969), la personalísima lectura llevada a cabo por Federico Fellini de la obra de Petronio, empieza y termina de manera simétrica. Al principio del relato, el joven Encolpio (Martin Potter) declama en voz alta su malestar contra sus dos amantes, su amigo Ascilto (Hiram Keller) y su joven esclavo, el efebo Gitone (Max Born), porque le han traicionado, riéndose de él a sus espaldas; el reproche de Encolpio tiene lugar en un escenario singular, unas termas romanas cuya extraña arquitectura guarda a la vez ecos de los decorados del expresionismo alemán y de los paisajes cúbicos del pintor Giorgio De Chirico. [Nota bene: estas referencias son puramente subjetivas y particulares de quien suscribe: seguro que cada espectador podrá ver otras tanto o más válidas que aquéllas; nada raro, por otra parte, en una película tan abierta, libre y susceptible de todo tipo de interpretaciones como este magistral Fellini Satiricón.] Uno de los mayores atractivos de este film inimitable radica en la diversidad de criterios con que puede ser visto y entendido: como cine de autor es una prolongación (y ampliación) de los logros obtenidos por Fellini en su anterior film, “Toby Dammit” (1967); también interesa si es visto como adaptación literaria (de un clásico) a cargo de un realizador nada aficionado a las adaptaciones (…); y si resulta fascinante como film de ciencia ficción, no es menos atractivo visto como un film de aventuras.
   Pero sigamos concretando: antes de que oigamos a Encolpio profiriendo sus reproches contra sus amantes, la cámara recorre un muro de las termas manchado con toscos dibujos y ásperas inscripciones que hacen pensar en una especie de primitivo grafiti; frente a ese mismo muro, Encolpio empieza su airada digresión. He mencionado que hay una simetría entre el principio y el final del film, que se cierra precisamente con otros muros, o mejor dicho, los restos de unos murales donde aparecen reproducidos, en vivos colores, Encolpio y el resto de los principales personajes que han ido asomando sus fantasmagóricas presencias a lo largo de un relato marcado, entre otras muchas cosas, por una poderosísima estética, visual y musical, fruto sobre todo del sentido inferido por Fellini a todos los elementos plásticos y sonoros por medio de una puesta en escena que convierte este paseo por los mundos urdidos por Petronio en una inesperada odisea a un planeta de otra galaxia. “Fellini Satiricón” se abre con unas imágenes negras y un espacio cerrado, y se cierra con unas imágenes luminosas y un espacio abierto (lo que podría entenderse como una inversión de la figura del viaje romántico, de la luz a la tiniebla) (…) Ese continuo recurrir a la difuminación de decorados y cuerpos, sumiendo los encuadres en una noche ciega, desemboca en una pirueta formal que no tiene nada de caprichosa: los personajes se convierten en historia, en fragmentos de un pasado al que nadie, ni el propio realizador, tiene posibilidad de acceso. Esa renuncia es una de las más hermosas confesiones fellinianas: todo cuanto se ha visto es fruto de la fantasmagoría, de la pirueta de un ilusionista para dar vida a unos seres adheridos al pasado y que ahí quedan, convertidos en piedra, gracias a la terrible mirada del autor y sus cómplices.
   No descubro nada cuando afirmo que Fellini Satiricón es una especie de película de ciencia ficción con elementos de “romanidad”. Es sabido que a Federico Fellini le gustaba decir, a propósito de su versión del “Satiricón” de Petronio, “Fellini Satiricón”, que había rodado un film de ciencia ficción, en el sentido de que constituía “un viaje a lo desconocido, un viaje a un planeta llamado Romanidad”. La refinada escenografía de la película, que rehúye cualquier intento de reconstrucción histórica de la Roma Antigua donde se supone transcurre la acción, en beneficio de una reconstrucción imaginaria, traslada al espectador a unos paisajes más propios del género de la ciencia-ficción. En la secuencia en la que Encolpio visita un museo en compañía del poeta y filósofo Eumolpo (Salvo Randone), el decorado de la sala de arte tiene un diseño prácticamente contemporáneo; mientras ambos personajes conversan sobre la triste posibilidad de que el arte acabe desapareciendo en el futuro, a sus espaldas, casi mágicamente, vemos pasar a través de un enorme ventanal una especie de rudimentario “tren” formado por una plataforma de madera llena de silenciosos pasajeros (¿acaso un apunte sobre cuál será en el futuro, esto es nuestro presente, la actitud de la humanidad frente al arte “antiguo”: fría, distante, como de pasada mientras se coge el transporte público camino del trabajo?). Más adelante, Encolpio y Eumolpo asisten a dos fiestas dadas por el rico Trimalción (Mario Romagnoli); la primera de ellas tiene lugar en un espacio al aire libre donde esclavos desnudos chapotean en un estanque para solaz de sus amos, mientras estos últimos están cómodamente instalados en una especie de cabinas individuales cuyo diseño hace pensar, en combinación con el carácter irreal del paisaje recreado en estudio, en el famoso monolito de 2001: Una odisea del espacio (1968). La segunda fiesta, más bien una continuación de la anterior, se sitúa en la mansión de Trimalción, y en ella tiene lugar una de las secuencias más largas y célebres del film: un impresionante carrusel de inquietantes personajes, masculinos, femeninos y andróginos maquillados, peinados y vestidos con luminosos colores que paradójicamente los hacen parecer más tenebrosos, y que concluye con una poderosa imagen que, en cierto sentido, resume el carácter depravado de la reunión: ese gigantesco horno de la cocina donde se asa la carne, que parece una entrada al Infierno.
    “Fellini Satiricón” es un film de estructura discontinua que, sin embargo, narra una aventura lineal: la que vive Encolpio siguiendo los pasos de su amigo Ascilto y el efebo Gitone a través de un paisaje que parece nacer y morir en cada nueva secuencia. Estas concluyen a menudo con un fundido en negro que comienza con la dilución del decorado y prosigue borrando del encuadre los rostros y los cuerpos: con esto se crea una extraña sensación de vacío y se acentúa la impresión de que todo lo que Encolpio va dejando atrás deja de existir en el momento en que el personaje deja de mirarlo (el subrayado es de Latorre).
   Naturalmente, el carácter fantástico de la “romanidad” según Fellini no se infiere únicamente de las texturas y colores diseñados por Danilo Donati y fotografiados por Giuseppe Rotunno o del carácter atonal de la partitura de Nino Rota (por maravillosas que sean, claro está, las aportaciones de todos y cada uno de ellos al conjunto), sino sobre todo del sentimiento de extrañeza que generan la conducta y el carácter de los personajes, cuyas vicisitudes están en gran medida vehiculadas sobre sus inclinaciones sexuales. El tratamiento del sexo, en la frontera misma del surrealismo, contribuye sobremanera a la creación de inagotables espacios imaginarios en los cuales hasta el impulso sexual consigue parecer diferente; véanse: la secuencia del burdel, en la cual por medio de la cámara subjetiva y el travelling lateral vamos descubriendo fragmentos de las más exóticas actividades sexuales (1); los bellos fundidos en negro que subliman los abrazos amorosos de Encolpio y Gitone; la boda de Encolpio con Lica (Alain Cuny), vestido de mujer, a bordo del barco de este último; el trío amoroso que forman Encolpio y Ascilto con una hermosa esclava negra (Hylette Adolphe) cuyo misterioso lenguaje resulta tanto o más erótico que su cuerpo desnudo; la dama enloquecida y presa de una irresistible ninfomanía (Sibilla Sedat) que es transportada al templo del hermafrodita en el interior de un carromato, atada de pies y manos, presta para ser usada carnalmente; el desastroso coito al cual es empujado Encolpio, tras su lucha con el minotauro (George Eastman), en presencia del procónsul (Marcello Di Falco) y sus invitados; el extraño lecho donde Ascilto y las prostitutas se columpian en el burdel del desierto; la visualización del cuento del hechicero que robó el fuego del pueblo y cómo se lo devolvió indicándoles que podían recuperarlo gracias al calor corporal que desprende la entrepierna de Enotea (Donyale Luna); el coito de Encolpio con una rotunda mujer cuya exuberante feminidad evoca algunas representaciones primitivas de la Madre Tierra, seguido de la imagen de ese paisaje donde Encolpio reflexiona sobre la conclusión de su viaje iniciático junto a un fálico monumento.
    Fellini Satyricon está construida a modo de odisea itinerante e intuitiva, sin rumbo fijo, pero que no se olvida de recordarnos el carácter poético de la búsqueda de la plenitud que emprende Encolpio y, junto a él, el espectador, en pos del amado Gitone; un viaje en el que las experiencias se van acumulando, en ocasiones, sin que ni siquiera sea Encolpio el principal receptor de las mismas. Precisamente el que posiblemente sea no ya el más hermoso fragmento del film sino incluso uno de los más logrados de toda la obra de Fellini, la extraordinaria secuencia del noble romano (Joseph Wheeler) y su esposa (Lucia Bosé) que se quitan la vida tras haber dado la libertad a sus esclavos, demuestra no solo que su autor merece ser recordado como uno de los más grandes estilistas que ha tenido nunca el arte del cinematógrafo, sino que además nos recuerda que el sentido de Fellini Satiricón (si es que de “sentido”, en su acepción más racional, puede hablarse) reside en sus cualidades intrínsecas. Encolpio no es aquí testigo de excepción de la patética tragedia de los nobles suicidas, sino que llega posteriormente a su mansión cuando la misma ya se ha consumado; asimismo, la película no pretende imponer un único punto de vista (el de Encolpio), sino proponerle al espectador, a través del viaje físico del personaje que sirve como hilo conductor, una suerte de viaje mental en el que cualquier cosa es posible y ninguna puerta está cerrada por completo.
   Pero, a poco que se mire con atención, “Fellini Satiricón” muestra una profunda unidad sin que, por ello, su narrativa resulte menos audaz. Incluso los dos episodios que parecen más furtivos (el suicidio de los patricios; Encolpio haciendo frente al Minotauro en el laberinto) son absolutamente coherentes. Si el episodio de la villa es los suicidas es una especie de remanso dentro del alucinado y alucinante flujo de imágenes (…), o como un exorcismo felliniano al temor de ese horror vacui del que fue acusado por su excelente e incomprendido ballet fantástico “Giulietta de los espíritus” (1965) lo cierto es que su inclusión no puede ser más lógica si se tiene en cuenta la violencia de las imágenes precedentes (la muerte del César, el avance triunfal de las tropas del nuevo César en un lúgubre festival apoyado sobre los ritmos bárbaros de la música de Rota): una situación que dos seres sensibles son incapaces de afrontar y que reclama a gritos un contrapunto dulce o, al menos, discreto, como así sucede (blancura fotográfica, la noble expresión de los dos personajes, la llama sagrada, colores suaves, la discreción de la música al inicio de la secuencia, el peso del silencio que contrasta con el casi continuo sonido del viento en la columna de sonido de la película). La aparición final de Encolpio y Ascilto en la villa de los suicidas sirve de nexo para que la historia no pierda unidad. [Los subrayados son de Latorre.]
   De acuerdo con la idea del viaje, la movilidad es incesante en el film: en la diversidad de decorados, en los continuos movimientos de la cámara, en la profundidad de campo de los encuadres (…) A veces, la descripción es tan intensa que el placer estético se funde con un malestar casi físico (…). Pero, en definitiva, ese es el secreto de esta aventura felliniana: borrar los límites que separan el placer y el dolor, la luz y la oscuridad, el pasado y el presente. Un experimento no-narrativo donde la forma acaba siendo el fondo y el fondo, la forma, de tal manera que no puede entenderse la una sin el otro en el conjunto de una película que destruye, como han conseguido muy pocas a lo largo de la historia del cine, las fronteras entre significante y significado, entre lo que se dice y el cómo se dice; citemos, rápidamente, Vampyr, la bruja vampiro (1932), El año pasado en Marienbad (1961) o Persona (1966). Cine elevado a la enésima potencia.•
 

(1) Secuencia que fue fusilada casi literalmente por Clive Barker en su adaptación de su propia novela Cabal, Razas de noche (1990); hasta Danny Elfman se permitía aquí imitar a Nino Rota.
   
   
     
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FELLINI-SATYRICON (1969)      
Nino Rota
Quartet Records QRSCE034, 2011. Duración: 54: 39. Incluye banda sonora de Roma (1972).
  
   
       
   

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