Ingmar Bergman es hoy en día una de las personalidad cinematográficas más influyentes entre un nutrido colectivo de cineastas de toda clase de procedencias. Desde sus primeros años como guionista asalariado de la Svensk Filmindustria, Ingmar Bergman ha ido tejiendo una obra de una extraordinaria personalidad -acaso influido por el neorrealismo italiano y sobre todo por la obra de otro escandinavo, Carl Theodor Dreyer en sus inicios- que encierra un mundo lleno de interrogantes sobre la condición humana. Temas como la muerte, la salvación humana, la existencia de Dios, el perdón y la soledad gravitan sobre una fiilmografía homogénea, prácticamente sin fisuras, que se cierra con Fanny y Alexander, saludada por la crítica internacional como un compendio de sus temas clave que ya había avanzado en su anterior film, De la vida de las marionetas. Prácticamente el cine de Bergman se sustenta en la disección pausada en torno a las relaciones humanas desde diferentes ángulos y situaciones el núcleo conyugal en Secretos de un matrimonio; las relaciones paternofiliales en Gritos y susurros, Cara a cara al desnudo y Sonata de otoño; los sentimientos de la adolescencia en Juegos de verano-- resolviendo la problemática planteada con un sentido metafísico. Tras una etapa primaria que podría definirse como más festiva y luminosa aunque igualmente centrada sobre las relaciones de pareja y con una similar predisposición por dotarlas de una lectura metafórica, a partir de El séptimo sello Bergman planetó una obra más hermética y cerrada. El contrapunto a esta etapa presidida por un sentimiento de fatalidad y una permanente obsesión por la idea de la muerte en especial, presente en historias ubicadas en una isla (Farö) en Como en un espejo y La hora del lobo a modo de simbolismo de la realidad que viven sus personajes-- sería la comedia El ojo del diablo, que no tardaría en advertirse como una excepción dentro de una trayectoria profesional consagrada al campo del drama o del melodrama de connotaciones existencialistas. En esta línea de actuación, tanto El séptimo sello como Fresas salvajes —rodadas en un mismo año— y El manantial de la doncella depararían a Bergman un reconocimiento internacional, primero a través del entusiasmo que despertaron sus proyecciones en los certámenes especializados y posteriormente, con la consecución de numerosos premios, entre los que figuran los premios otrogados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos. El respaldo mundial facilitaría a posteriori la integración de los actores fetiche de Bergman en la producción norteamericana (Liv Ullman, Per Oscarson, Max Von Sydow) aunque fuera de forma transitoria, así como de sus técnicos más fieles, sobre todo el excelente director de fotografía Sven Nykvist. Próximo a cumplir los sesenta años, Bergman quiso ampliar sus horizontes temáticos con una parábola sobre el peligro de un nazismo aún latente en una generación de jóvenes en la Alemania de los años veinte en El huevo de la serpiente, valiéndose de un plantel internacional. Este tímido intento de ruptura —propiciado, en parte, por su exilio voluntario a Munich para evitar la presión fiscal que ejercía la Hacienda sueca— no tuvo continuidad. Por consiguiente, Bergman optó por seguir explorando en los conflictos que subyacen en los seres humanos, poniendo el broche de oro con un film de tintes autobiográficos, Fanny y Alexander. La escritura y el teatro pasaron a un primer plano para un Bergman que firmaría el guión de Las mejores intenciones (1992) —un recorrido por la vida de sus padres, Erik, un pastor luterano, y Karin—, exhibida en una versión fragmentada en capítulos para la televisión, el medio que había acogido la realización de Después del ensayo (1983) —reflexión sobre la propia vida del cineasta sueco a través del personaje encarnado por Erland Josephson— y se dispondría a financiar Historia de payasos (1994) y Saraband (2003).•